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Una conversazione con lo scultore Tony Cragg sulle sue opere e sulla mostra a Darmstadt
Dal 26 aprile al 26 ottobre 2025 l'artista esporrà nel Giardino delle sculture di Darmstadt le sue opere uniche, che giocano in modo affascinante con materiali e forme.
Darmstadt, 25 aprile 2025. Lo scultore britannico Tony Cragg è una delle figure più importanti della scultura contemporanea. Dagli anni '70, il suo lavoro esplora l'interazione tra forma, materiale e spazio, spesso con un'estetica quasi organica. Le sue sculture si trovano in musei, parchi e spazi pubblici in tutto il mondo. Ora, le sue opere sono esposte nel giardino delle sculture della Torre Spagnola di Darmstadt. Abbiamo parlato con lui dei processi artistici, del potere della forma e del ruolo che la materia gioca in essi.
Le sue sculture assomigliano spesso a organismi viventi che si dispiegano nello spazio. Da dove nasce questo linguaggio formale? Esiste una fonte di ispirazione consapevole o le forme si sviluppano intuitivamente durante il processo creativo?
Ciò che mi interessa della scultura è che permette un rapporto davvero unico con il materiale, che non ha nulla a che fare con l'uso pratico. Nella nostra vita quotidiana, usiamo i materiali quasi esclusivamente per scopi funzionali, ma la scultura dà al materiale lo spazio per dispiegarsi liberamente, senza scopo o utilità.
Non riproduco cose che già esistono. Piuttosto, mi interessa: cos'altro si può esprimere con il materiale? Quali idee ed emozioni si possono evocare? Voglio che le persone, quando guardano le mie sculture, percepiscano il ruolo che il materiale gioca nelle nostre vite, quanto plasma il nostro ambiente e il nostro pensiero.
Ci piace distinguere tra forma organica – ciò che appare vibrante, emotivo e irregolare – e ordine geometrico – ciò che sembra tecnico, razionale e controllato. Ma in realtà, questi livelli non esistono separatamente. Persino le strutture organiche sono in ultima analisi costituite da unità geometriche: molecole, cellule, schemi. Questa connessione tra struttura e sensazione mi interessa.
Nel nostro mondo industriale, spesso prevalgono forme semplici ed efficienti: linee rette, superfici lisce, angoli retti. Questo ha portato a un certo "impoverimento" della forma. La diversità che troviamo in natura si perde in questo processo. La scultura può offrire un contrappunto: è una delle poche forme di coinvolgimento umano con la materia che non persegue alcuno scopo esterno. Inizia con l'assenza di scopo, ed è proprio da questo che nasce la sua libertà.
Non so mai fin dall'inizio che aspetto avrà una scultura. È sempre un processo aperto. Non lavoro come un designer con un concetto chiaro, ma mi lascio guidare dal materiale e dal suo sviluppo. Spesso rimango sorpreso da ciò che emerge. È proprio questo che lo rende così entusiasmante per me.
Nella tua attuale mostra a Darmstadt, esponi le tue opere in un giardino di sculture. Che ruolo gioca lo spazio espositivo per le tue opere? Le tue sculture reagiscono all'ambiente circostante, o è l'ambiente a reagire a loro?
In questo caso, il termine "parco delle sculture" è in realtà fuorviante. Pur essendo un parco, non si tratta di natura incontaminata. Piuttosto, l'ambiente stesso è stato plasmato dall'uomo: le piante, i colori e i sentieri – tutto è stato selezionato, disposto e composto. Pertanto, trovo logico che anche le sculture trovino posto lì, come un'altra "specie" tra i tanti elementi artificiali.
Per la mostra di Darmstadt, ho riflettuto su come ci si muove attraverso lo spazio. Volevo creare una sequenza, un percorso che conducesse da una scultura all'altra – ogni scultura si ergesse a sé stante, ma allo stesso tempo offrisse un invito visivo a quella successiva. Si tratta di confronto e di esperienza diretta della forma nello spazio.
Per me, il parco è principalmente uno spazio, un luogo in cui sono collocate le mie opere. Non lo vedo come un partner con cui entrare in un dialogo diretto. Elaboro il mio rapporto con la natura in modo più concettuale nel mio studio, non nel contesto espositivo all'aperto.
I materiali utilizzati spaziano dal bronzo al legno, fino alla plastica. Come si decide quale materiale sia più adatto a una particolare scultura? A volte è il materiale a dettare la forma, o viceversa?
Nella scultura, la scelta del materiale non è semplicemente una decisione tecnica: è fondamentale per ciò che la scultura in ultima analisi esprime. Osservando lo sviluppo della scultura, si nota che fino alla fine del XIX secolo gli artisti lavoravano quasi esclusivamente con materiali come il bronzo, il marmo o il legno, e per lo più in forme figurative.
Ma a partire da Duchamp, al più tardi, è diventato chiaro che tutti i materiali, tutte le forme e tutti i colori hanno un effetto, intellettuale o emotivo. Viviamo in un mondo in cui siamo costantemente circondati da impressioni materiali. Il famoso orinatoio di Duchamp non fu solo una provocazione, ma anche un atto liberatorio: dimostrò che anche gli oggetti di uso quotidiano possono acquisire un significato artistico.
Da allora, la scultura si è evoluta in uno studio dell'intero mondo dei materiali. Oggi gli artisti lavorano con tutto, dal cioccolato al DNA alla carne. Per me, personalmente, non è più interessante semplicemente scoprire un nuovo materiale. È successo molte volte.
La domanda più importante è: che effetto ha un particolare materiale e come posso usarlo per creare una forma che rafforzi o metta in discussione questo effetto? Naturalmente, anche il luogo gioca un ruolo. Negli spazi esterni, ad esempio, mi affido a materiali durevoli: bronzo, acciaio, alcune materie plastiche.
Ma ogni materiale ha il suo linguaggio. L'acciaio è sinonimo di resistenza, stabilità: il suo stesso nome lo suggerisce. Il bronzo, invece, è un'antica lega con un basso punto di fusione, ideale per la fusione di forme delicate e complesse. E il vetro? È un mondo a sé: quando lavoro con i vetrai, il materiale spesso porta con sé la sua geometria: gocce, fili, strutture formate naturalmente.
È proprio questo che mi interessa: l'interazione tra l'idea e ciò che il materiale offre intrinsecamente. A volte è la forma a dettare la direzione, ma molto spesso emerge nel dialogo con il materiale stesso.
Da decenni esplori il rapporto tra materia e forma, tra natura e cultura. La tua prospettiva su questi argomenti è cambiata nel corso degli anni?
La mia prospettiva sul rapporto tra materia e forma è cambiata nel corso degli anni, non attraverso interruzioni improvvise, ma piuttosto come un'evoluzione graduale. Quando ho iniziato a scolpire nel 1969, non avevo un'idea chiara di cosa fosse la scultura. Ero semplicemente affascinato dall'effetto delle forme e volevo sperimentare nuovi materiali.
A quel tempo, lavoravo con materie plastiche ancora in gran parte sconosciute nel mondo dell'arte. Collezionavo oggetti industriali con geometrie semplici e tavolozze di colori limitate: tutto sembrava provenire da un'unica fonte. Questo mi ha portato a chiedermi: cosa ci dicono questi oggetti uniformi prodotti in serie sul nostro mondo?
Ho iniziato a ordinarli, impilarli, combinare i colori, e ho sviluppato un crescente bisogno di creare forme complesse. Non come rappresentazioni, ma come entità indipendenti. È così che, ad esempio, è nata l'idea di ricreare l'ombra di un vaso: qualcosa di intangibile ma visibile.
serie Early Forms è stata in definitiva ispirata da siti fossili in cui sono state scoperte simultaneamente numerose specie animali estinte: una metafora della vasta diversità di forme che un tempo esistevano o potevano esistere.
In seguito, mi sono interessato sempre di più all'interazione tra struttura geometrica e forma organica. Questo sviluppo non è mai avvenuto in modo brusco, ma piuttosto per fasi logiche e successive.
Nonostante tutti i cambiamenti, una cosa è rimasta costante: la mia meraviglia per il mondo materiale, per le sue proprietà chimiche, fisiche e formali. Questa fascinazione mi accompagna da oltre cinquant'anni e rimane più forte che mai.
Quando ti avvicini a una nuova scultura: il processo inizia nella tua mente, sulla carta o direttamente con il materiale che hai in mano?
Per me, una nuova scultura non inizia con un'epifania improvvisa o un'ispirazione classica – un termine che onestamente non ho mai pienamente compreso. Piuttosto, una nuova opera quasi sempre si evolve dalla precedente. Mentre si lavora a una scultura, si prendono una moltitudine di decisioni, alcune minori, altre cruciali, come se una forma abbia tre o quattro gambe.
Quando un'opera è finita, rimane una sorta di ricordo del viaggio. Si inizia a percepire: se avessi deciso diversamente a un certo punto, sarebbe emerso qualcosa di completamente diverso – con una forma diversa, un significato diverso, una qualità emotiva diversa. E questo stesso pensiero porta alla scultura successiva.
Si vuole vedere cosa succede quando si intraprende un percorso diverso. Ma anche allora, si scopre qualcosa di nuovo, di imprevisto. Si finisce in un luogo che non si sarebbe potuto prevedere. La cosa meravigliosa è che c'è ancora così tanto da scoprire nel mondo – e nell'arte. Ho la sensazione che tutto sia appena iniziato.
