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Una conversación con el escultor Tony Cragg sobre sus obras y la exposición en Darmstadt
Del 26 de abril al 26 de octubre de 2025, el artista mostrará en el Jardín de Esculturas de Darmstadt sus obras únicas, que juegan con el material y la forma de una manera fascinante.
Darmstadt, 25 de abril de 2025. El escultor británico Tony Cragg es una de las figuras más importantes de la escultura contemporánea. Desde la década de 1970, su obra ha explorado la interacción entre forma, material y espacio, a menudo con una estética casi orgánica. Sus esculturas se pueden encontrar en museos, parques y espacios públicos de todo el mundo. Actualmente, sus obras se exhiben en el jardín de esculturas de la Torre Española de Darmstadt. Conversamos con él sobre los procesos artísticos, el poder de la forma y el papel que la materia desempeña en ellos.
Sus esculturas a menudo evocan organismos vivos que se despliegan en el espacio. ¿De dónde proviene este lenguaje formal? ¿Existe una fuente de inspiración consciente o las formas se desarrollan intuitivamente durante el proceso creativo?
Lo que me interesa de la escultura es que permite una relación muy singular con el material, que no tiene nada que ver con el uso práctico. En nuestra vida cotidiana, usamos materiales casi exclusivamente con fines funcionales, pero la escultura le da espacio para desplegarse libremente, sin propósito ni utilidad.
No reproduzco cosas ya existentes. Más bien, me interesa: ¿Qué más se puede expresar con el material? ¿Qué ideas y emociones se pueden evocar? Quiero que la gente, al contemplar mis esculturas, perciba el papel que desempeña el material en nuestras vidas: cuánto moldea nuestro entorno y nuestro pensamiento.
Nos gusta distinguir entre la forma orgánica —lo que parece vibrante, emocional e irregular— y el orden geométrico —lo que parece técnico, racional y controlado—. Pero en realidad, estos niveles no existen por separado. Incluso las estructuras orgánicas consisten, en última instancia, en unidades geométricas: moléculas, células, patrones. Esta conexión entre estructura y sensación me interesa.
En nuestro mundo industrial, suelen prevalecer las formas simples y eficientes: líneas rectas, superficies lisas, ángulos rectos. Esto ha provocado un cierto empobrecimiento de la forma. La diversidad que encontramos en la naturaleza se pierde en este proceso. La escultura puede ofrecer un contrapunto: es una de las pocas formas de interacción humana con la materia que no persigue un propósito externo. Comienza sin propósito, y es precisamente de ahí de donde surge su libertad.
Nunca sé de entrada cómo será finalmente una escultura. Siempre es un proceso abierto. No trabajo como un diseñador con un concepto claro, sino que me dejo guiar por el material y su desarrollo. A menudo, me sorprende lo que surge. Eso es precisamente lo que la hace tan emocionante.
En su exposición actual en Darmstadt, presenta sus obras en un jardín de esculturas. ¿Qué papel desempeña el espacio expositivo en su obra? ¿Sus esculturas reaccionan a su entorno, o debería el entorno reaccionar a ellas?
El término "parque de esculturas" es, en realidad, engañoso en este caso. Si bien es un parque, no es naturaleza intacta. Más bien, el entorno mismo ha sido moldeado por el ser humano: las plantas, los colores y los senderos; todo ha sido seleccionado, ordenado y compuesto. Por lo tanto, me parece lógico que las esculturas también tengan cabida allí, como una "especie" más entre los muchos elementos creados por el hombre.
Para la exposición en Darmstadt, consideré cómo uno se mueve por el espacio. Quería crear una secuencia, un recorrido que lleva de una escultura a la siguiente: cada escultura se yergue por sí sola, pero a la vez ofrece una invitación visual a la siguiente. Se trata de la confrontación y la experiencia directa de la forma en el espacio.
Para mí, el parque es principalmente un espacio, un lugar donde se ubican mis obras. No lo veo como un compañero con quien entablo un diálogo directo. Proceso mi relación con la naturaleza de forma más conceptual en mi estudio, no en el contexto de una exposición al aire libre.
Sus materiales van desde el bronce y la madera hasta el plástico. ¿Cómo deciden qué material es el adecuado para una escultura en particular? ¿A veces el material dicta la forma, o viceversa?
En escultura, la elección del material no es simplemente una decisión técnica, sino que es fundamental para lo que la escultura expresa en última instancia. Si observamos el desarrollo de la escultura, observamos que hasta finales del siglo XIX, los artistas trabajaban casi exclusivamente con materiales como el bronce, el mármol o la madera, y principalmente en formas figurativas.
Pero desde Duchamp, a más tardar, ha quedado claro que todos los materiales, todas las formas y todos los colores tienen un efecto, ya sea intelectual o emocional. Vivimos en un mundo en el que estamos constantemente rodeados de impresiones materiales. El famoso urinario de Duchamp no solo fue una provocación, sino también un acto liberador: demostró que incluso los objetos cotidianos pueden adquirir significado artístico.
Desde entonces, la escultura se ha convertido en un estudio de todo el mundo de los materiales. Los artistas de hoy trabajan con todo, desde el chocolate hasta el ADN y la carne. Para mí, personalmente, ya no es interesante simplemente descubrir un nuevo material. Esto ha sucedido muchas veces.
La pregunta más importante es: ¿Qué efecto tiene un material en particular y cómo puedo usarlo para crear una forma que refuerce o cuestione este efecto? Por supuesto, la ubicación también influye. En espacios exteriores, por ejemplo, confío en materiales duraderos: bronce, acero, ciertos plásticos.
Pero cada material tiene su propio lenguaje. El acero representa resistencia y estabilidad; su propio nombre lo sugiere. El bronce, en cambio, es una aleación antigua con un punto de fusión bajo, ideal para moldear formas delicadas y complejas. ¿Y el vidrio? Es un mundo aparte: cuando trabajo con vidrieros, el material a menudo aporta su propia geometría: gotas, hebras, estructuras formadas naturalmente.
Eso es precisamente lo que me interesa: la interacción entre la idea y lo que el material ofrece intrínsecamente. A veces, la forma dicta la dirección, pero muy a menudo surge en diálogo con el propio material.
Lleva décadas explorando la relación entre la materia y la forma, entre la naturaleza y la cultura. ¿Ha cambiado su perspectiva sobre estos temas con el paso de los años?
Mi perspectiva sobre la relación entre la materia y la forma ha cambiado con los años, no por interrupciones repentinas, sino como un desarrollo gradual. Cuando comencé a esculpir en 1969, no tenía una idea clara de qué era la escultura. Simplemente me fascinaba el efecto de las formas y quería experimentar con nuevos materiales.
En aquel entonces, trabajaba con plásticos que aún eran en gran parte desconocidos en el mundo del arte. Coleccionaba objetos industriales con geometrías simples y paletas de colores limitadas; todo parecía provenir de una misma fuente. Esto me llevó a preguntarme: ¿Qué nos dicen estos objetos uniformes producidos en masa sobre nuestro mundo?
Empecé a clasificarlos, apilarlos, combinar colores, y desarrollé una creciente necesidad de crear mis propias formas complejas. No como representaciones, sino como entidades independientes. Así surgió, por ejemplo, la idea de recrear la sombra de una vasija, algo intangible pero visible.
serie Early Forms se inspiró en yacimientos fósiles donde se descubrieron simultáneamente numerosas especies animales extintas, una metáfora de la enorme diversidad de formas que alguna vez existieron o podrían existir.
Más tarde, me interesé cada vez más por la interacción entre la estructura geométrica y la forma orgánica. Este desarrollo nunca se produjo de forma abrupta, sino en pasos lógicos y sucesivos.
A pesar de todos los cambios, algo se ha mantenido constante: mi asombro ante el mundo material, sus propiedades químicas, físicas y formales. Esta fascinación me ha acompañado durante más de cinco décadas y sigue tan viva como siempre.
Cuando te acercas a una nueva escultura: ¿el proceso comienza en tu mente, en el papel o directamente con el material en tu mano?
Para mí, una nueva escultura no comienza con una epifanía repentina o una inspiración clásica, un término que, sinceramente, nunca he comprendido del todo. Más bien, una nueva obra casi siempre evoluciona a partir de la anterior. Mientras trabajas en una escultura, tomas multitud de decisiones, algunas menores, otras cruciales, como si una forma tiene tres o cuatro patas.
Cuando una obra está terminada, permanece una especie de recuerdo del viaje. Empiezas a sentir: si hubiera decidido algo diferente en cierto momento, habría surgido algo completamente distinto, con una forma diferente, un significado diferente, una cualidad emocional diferente. Y este mismo pensamiento te lleva a la siguiente escultura.
Quieres ver qué sucede cuando tomas un camino diferente. Pero incluso entonces, descubres algo nuevo, inesperado. Terminas en un lugar que no podrías haber previsto. Lo maravilloso es que todavía hay mucho por descubrir en el mundo, y en el arte. Tengo la sensación de que todo está apenas comenzando.
