Una conversazione con lo scultore Tony Cragg sulle sue opere e sulla mostra a Darmstadt
Dal 26 aprile al 26 ottobre 2025 l'artista esporrà nel Giardino delle sculture di Darmstadt le sue opere uniche, che giocano in modo affascinante con materiali e forme.
Darmstadt, 25 aprile 2025. Lo scultore britannico Tony Cragg è una delle figure più importanti della scultura contemporanea. Dagli anni '70, il suo lavoro esplora l'interazione tra forma, materiale e spazio, spesso con un'estetica quasi organica. Le sue sculture si trovano in musei, parchi e spazi pubblici in tutto il mondo. Ora, le sue opere sono esposte nel giardino delle sculture della Torre Spagnola di Darmstadt. Abbiamo parlato con lui dei processi artistici, del potere della forma e del ruolo che la materia gioca in essi.
Le sue sculture assomigliano spesso a organismi viventi che si dispiegano nello spazio. Da dove nasce questo linguaggio formale? Esiste una fonte di ispirazione consapevole o le forme si sviluppano intuitivamente durante il processo creativo?
Ciò che mi interessa della scultura è la possibilità di instaurare un rapporto unico con il materiale, un rapporto che non ha nulla a che vedere con l'uso pratico. Nella vita di tutti i giorni, utilizziamo i materiali quasi esclusivamente per scopi funzionali, ma la scultura dà al materiale lo spazio per dispiegarsi liberamente, senza scopo né utilità.
Non riproduco cose già esistenti. Piuttosto, mi interessa: cos'altro si può esprimere con il materiale? Quali idee ed emozioni si possono evocare? Voglio che le persone, guardando le mie sculture, percepiscano il ruolo che il materiale svolge nelle nostre vite, quanto plasmi il nostro ambiente e il nostro pensiero.
Tendiamo a distinguere tra forma organica – ciò che appare vibrante, emozionante e irregolare – e ordine geometrico – ciò che sembra tecnico, razionale e controllato. Ma in realtà, questi livelli non esistono separatamente. Anche le strutture organiche sono in ultima analisi composte da unità geometriche: molecole, cellule, modelli. Questa connessione tra struttura e sensazione mi affascina.
Nel nostro mondo industriale, spesso prevalgono forme semplici ed efficienti: linee rette, superfici lisce, angoli retti. Ciò ha portato a un certo "impoverimento" della forma. La diversità che troviamo in natura si perde in questo processo. La scultura può offrire un contrappunto: è una delle poche forme di interazione umana con la materia che non persegue alcuno scopo esterno. Inizia con l'assenza di scopo, ed è proprio da questo che scaturisce la sua libertà.
Non so mai fin dall'inizio che aspetto avrà una scultura. È sempre un processo aperto. Non lavoro come un designer con un concetto ben definito, ma mi lascio guidare dal materiale e dalla sua evoluzione. Spesso, rimango sorpreso da ciò che emerge. Ed è proprio questo che la rende così stimolante per me.
Nella tua attuale mostra a Darmstadt, esponi le tue opere in un giardino di sculture. Che ruolo gioca lo spazio espositivo per le tue opere? Le tue sculture reagiscono all'ambiente circostante, o è l'ambiente a reagire a loro?
In questo caso, il termine "parco di sculture" è in realtà fuorviante. Pur essendo un parco, non si tratta di natura incontaminata. Piuttosto, l'ambiente stesso è stato plasmato dall'uomo: le piante, i colori e i sentieri, tutto è stato selezionato, disposto e composto. Pertanto, mi sembra logico che anche le sculture trovino spazio lì, come un'altra "specie" tra i tanti elementi artificiali.
Per la mostra di Darmstadt, ho riflettuto su come ci si muove all'interno dello spazio. Volevo creare una sequenza, un percorso che conducesse da una scultura all'altra: ogni scultura si erge autonoma, ma al contempo offre un invito visivo alla successiva. Si tratta di confronto e di esperienza diretta della forma nello spazio.
Per me, il parco è innanzitutto uno spazio, un luogo in cui sono collocate le mie opere. Non lo considero un partner con cui instaurare un dialogo diretto. Elaboro il mio rapporto con la natura in modo più concettuale nel mio studio, non nel contesto di una mostra all'aperto.
I materiali utilizzati spaziano dal bronzo al legno, fino alla plastica. Come si decide quale materiale sia più adatto a una particolare scultura? A volte è il materiale a dettare la forma, o viceversa?
Nella scultura, la scelta del materiale non è semplicemente una decisione tecnica, ma è fondamentale per ciò che l'opera esprime in definitiva. Osservando lo sviluppo della scultura, si nota che fino alla fine del XIX secolo gli artisti lavoravano quasi esclusivamente con materiali come bronzo, marmo o legno, e perlopiù in forme figurative.
Ma a partire da Duchamp, almeno, è diventato chiaro che tutti i materiali, tutte le forme e tutti i colori hanno un effetto, intellettuale o emotivo. Viviamo in un mondo in cui siamo costantemente circondati da impressioni materiali. Il celebre orinatoio di Duchamp non fu solo una provocazione, ma anche un atto liberatorio: dimostrò che persino gli oggetti di uso quotidiano possono acquisire un significato artistico.
Da allora, la scultura si è evoluta in uno studio dell'intero mondo dei materiali. Oggi gli artisti lavorano con qualsiasi cosa: dal cioccolato al DNA alla carne. Personalmente, non mi interessa più semplicemente scoprire un nuovo materiale. Questo è già successo molte volte.
La domanda più importante è: che effetto ha un determinato materiale e come posso usarlo per creare una forma che rafforzi o metta in discussione questo effetto? Naturalmente, anche il luogo gioca un ruolo importante. Negli spazi esterni, ad esempio, mi affido a materiali durevoli: bronzo, acciaio, alcune materie plastiche.
Ma ogni materiale ha un suo linguaggio. L'acciaio è sinonimo di forza e stabilità: il suo stesso nome lo suggerisce. Il bronzo, d'altro canto, è una lega antica con un basso punto di fusione, ideale per la fusione di forme delicate e complesse. E il vetro? È un mondo a sé: quando collaboro con i vetrai, il materiale stesso spesso porta con sé una propria geometria: gocce, filamenti, strutture naturali.
È proprio questo che mi interessa: l'interazione tra l'idea e ciò che il materiale offre intrinsecamente. A volte è la forma a dettare la direzione, ma molto spesso essa emerge in dialogo con il materiale stesso.
Da decenni esplori il rapporto tra materia e forma, tra natura e cultura. La tua prospettiva su questi argomenti è cambiata nel corso degli anni?
La mia prospettiva sul rapporto tra materia e forma è cambiata nel corso degli anni, non attraverso rotture improvvise, ma piuttosto attraverso un'evoluzione graduale. Quando ho iniziato a scolpire nel 1969, non avevo un'idea precisa di cosa fosse la scultura. Ero semplicemente affascinato dall'effetto delle forme e volevo sperimentare nuovi materiali.
A quel tempo, lavoravo con materie plastiche ancora in gran parte sconosciute nel mondo dell'arte. Collezionavo oggetti industriali dalle geometrie semplici e dalle tavolozze di colori limitate: tutto sembrava provenire da un'unica fonte. Questo mi ha portato a chiedermi: cosa ci dicono questi oggetti uniformi prodotti in serie sul nostro mondo?
Ho iniziato a selezionarli, impilarli, combinare i colori, e ho sviluppato un crescente bisogno di creare forme complesse. Non come rappresentazioni, ma come entità indipendenti. È così che, ad esempio, è nata l'idea di ricreare l'ombra di un vaso: qualcosa di intangibile ma visibile.
serie Early Forms è stata infine ispirata dai siti fossili in cui sono state scoperte contemporaneamente numerose specie animali estinte: una metafora della vasta diversità di forme che un tempo esistevano o potevano esistere.
In seguito, il mio interesse si è intensificato per l'interazione tra struttura geometrica e forma organica. Questo sviluppo non è avvenuto bruscamente, ma piuttosto in modo logico e graduale.
Nonostante tutti i cambiamenti, una cosa è rimasta costante: la mia meraviglia per il mondo materiale, per le sue proprietà chimiche, fisiche e formali. Questo fascino mi ha accompagnato per oltre cinquant'anni e rimane forte come sempre.
Quando ti avvicini a una nuova scultura: il processo inizia nella tua mente, sulla carta o direttamente con il materiale che hai in mano?
Per me, una nuova scultura non nasce da un'improvvisa epifania o da un'ispirazione classica – un termine che, onestamente, non ho mai compreso appieno. Piuttosto, una nuova opera si evolve quasi sempre dalla precedente. Mentre si lavora a una scultura, si prendono moltissime decisioni, alcune di poco conto, altre cruciali – come ad esempio se una forma abbia tre o quattro gambe.
Quando un'opera è finita, rimane una sorta di ricordo del percorso. Si inizia a pensare: se avessi deciso diversamente a un certo punto, sarebbe emerso qualcosa di completamente diverso – con una forma diversa, un significato diverso, una qualità emotiva diversa. Ed è proprio questo pensiero che porta alla scultura successiva.
Si vuole vedere cosa succede quando si intraprende una strada diversa. Ma anche in quel caso, si scopre qualcosa di nuovo, di inaspettato. Si finisce in un luogo che non si sarebbe potuto prevedere. La cosa meravigliosa è che c'è ancora così tanto da scoprire nel mondo – e nell'arte. Ho la sensazione che sia solo l'inizio.
