Una conversación con el escultor Tony Cragg sobre sus obras y la exposición en Darmstadt
Del 26 de abril al 26 de octubre de 2025, el artista mostrará en el Jardín de Esculturas de Darmstadt sus obras únicas, que juegan con el material y la forma de una manera fascinante.
Darmstadt, 25 de abril de 2025. El escultor británico Tony Cragg es una de las figuras más importantes de la escultura contemporánea. Desde la década de 1970, su obra ha explorado la interacción entre forma, material y espacio, a menudo con una estética casi orgánica. Sus esculturas se pueden encontrar en museos, parques y espacios públicos de todo el mundo. Actualmente, sus obras se exhiben en el jardín de esculturas de la Torre Española de Darmstadt. Conversamos con él sobre los procesos artísticos, el poder de la forma y el papel que la materia desempeña en ellos.
Sus esculturas a menudo evocan organismos vivos que se despliegan en el espacio. ¿De dónde proviene este lenguaje formal? ¿Existe una fuente de inspiración consciente o las formas se desarrollan intuitivamente durante el proceso creativo?
Lo que me interesa de la escultura es que permite una relación muy singular con el material, una que nada tiene que ver con el uso práctico. En nuestra vida cotidiana, usamos los materiales casi exclusivamente con fines funcionales, pero la escultura les da espacio para desplegarse libremente, sin propósito ni utilidad.
No reproduzco cosas que ya existen. Más bien, me interesa: ¿Qué más se puede expresar con el material? ¿Qué ideas y emociones se pueden evocar? Quiero que, al contemplar mis esculturas, la gente perciba el papel que desempeña el material en nuestras vidas: cuánto moldea nuestro entorno y nuestro pensamiento.
Nos gusta distinguir entre la forma orgánica —lo que parece vibrante, emotivo e irregular— y el orden geométrico —lo que parece técnico, racional y controlado—. Pero en realidad, estos niveles no existen por separado. Incluso las estructuras orgánicas, en última instancia, consisten en unidades geométricas: moléculas, células, patrones. Esta conexión entre estructura y sensación me interesa.
En nuestro mundo industrial, a menudo predominan las formas simples y eficientes: líneas rectas, superficies lisas, ángulos rectos. Esto ha llevado a un cierto «empobrecimiento» de la forma. La diversidad que encontramos en la naturaleza se pierde en este proceso. La escultura puede ofrecer un contrapunto: es una de las pocas formas de interacción humana con la materia que no persigue un propósito externo. Comienza con la ausencia de propósito, y es precisamente de ahí de donde surge su libertad.
Nunca sé de antemano cómo será finalmente una escultura. Siempre es un proceso abierto. No trabajo como un diseñador con un concepto claro, sino que me dejo guiar por el material y su evolución. A menudo, me sorprende lo que surge. Eso es precisamente lo que me resulta tan emocionante.
En su exposición actual en Darmstadt, presenta sus obras en un jardín de esculturas. ¿Qué papel desempeña el espacio expositivo en su obra? ¿Sus esculturas reaccionan a su entorno, o debería el entorno reaccionar a ellas?
El término "parque de esculturas" resulta engañoso en este caso. Si bien es un parque, no se trata de naturaleza virgen. El entorno mismo ha sido moldeado por el ser humano: las plantas, los colores, los senderos, todo ha sido seleccionado, dispuesto y compuesto. Por lo tanto, me parece lógico que las esculturas también tengan cabida allí, como una "especie" más entre los numerosos elementos creados por el hombre.
Para la exposición en Darmstadt, consideré cómo se recorre el espacio. Quería crear una secuencia, un camino que condujera de una escultura a la siguiente, cada una de ellas independiente, pero que a la vez invitara visualmente a la siguiente. Se trata de la confrontación y la experiencia directa de la forma en el espacio.
Para mí, el parque es principalmente un espacio, un lugar donde se ubican mis obras. No lo veo como un interlocutor con el que entablo un diálogo directo. Proceso mi relación con la naturaleza de forma más conceptual en mi estudio, no en el contexto de una exposición al aire libre.
Sus materiales van desde el bronce y la madera hasta el plástico. ¿Cómo deciden qué material es el adecuado para una escultura en particular? ¿A veces el material dicta la forma, o viceversa?
En escultura, la elección del material no es simplemente una decisión técnica, sino fundamental para lo que la escultura expresa en última instancia. Al observar el desarrollo de la escultura, se aprecia que hasta finales del siglo XIX, los artistas trabajaban casi exclusivamente con materiales como el bronce, el mármol o la madera, y principalmente en formas figurativas.
Pero desde Duchamp, al menos, ha quedado claro que todos los materiales, todas las formas y todos los colores tienen un efecto, ya sea intelectual o emocional. Vivimos en un mundo donde estamos constantemente rodeados de impresiones materiales. El famoso urinario de Duchamp no solo fue una provocación, sino también un acto liberador: demostró que incluso los objetos cotidianos pueden adquirir significado artístico.
Desde entonces, la escultura ha evolucionado hasta convertirse en un estudio del universo de los materiales. Hoy en día, los artistas trabajan con todo, desde chocolate hasta ADN y carne. Para mí, personalmente, ya no es interesante simplemente descubrir un nuevo material. Eso ha sucedido muchas veces.
La pregunta más importante es: ¿Qué efecto tiene un material en particular y cómo puedo usarlo para crear una forma que refuerce o cuestione ese efecto? Por supuesto, el lugar también juega un papel importante. En espacios exteriores, por ejemplo, recurro a materiales duraderos: bronce, acero, ciertos plásticos.
Pero cada material tiene su propio lenguaje. El acero representa fuerza y estabilidad; su nombre lo indica. El bronce, en cambio, es una aleación antigua con un bajo punto de fusión, ideal para fundir formas delicadas y complejas. ¿Y el vidrio? Es un mundo aparte: cuando trabajo con vidrieros, el material suele aportar su propia geometría: gotas, filamentos, estructuras formadas naturalmente.
Eso es precisamente lo que me interesa: la interacción entre la idea y lo que el material ofrece intrínsecamente. A veces, la forma marca la dirección, pero muy a menudo surge en diálogo con el propio material.
Lleva décadas explorando la relación entre la materia y la forma, entre la naturaleza y la cultura. ¿Ha cambiado su perspectiva sobre estos temas con el paso de los años?
Mi perspectiva sobre la relación entre materia y forma ha cambiado con los años, no por rupturas repentinas, sino como un desarrollo gradual. Cuando comencé a esculpir en 1969, no tenía una idea clara de qué era la escultura. Simplemente me fascinaba el efecto de las formas y quería experimentar con nuevos materiales.
En aquel entonces, trabajaba con plásticos que aún eran prácticamente desconocidos en el mundo del arte. Coleccionaba objetos industriales con geometrías simples y paletas de colores limitadas; todo parecía provenir de una sola fuente. Esto me llevó a preguntarme: ¿Qué nos dicen estos objetos uniformes producidos en masa sobre nuestro mundo?
Comencé a clasificarlos, apilarlos, combinar colores, y desarrollé una creciente necesidad de crear mis propias formas complejas. No como representaciones, sino como entidades independientes. Así fue como surgió, por ejemplo, la idea de recrear la sombra de un recipiente: algo intangible pero visible.
serie Early Forms se inspiró, en última instancia, en yacimientos fósiles donde se descubrieron simultáneamente numerosas especies animales extintas: una metáfora de la vasta diversidad de formas que alguna vez existieron o podrían existir.
Más adelante, me interesé cada vez más por la interacción entre la estructura geométrica y la forma orgánica. Este desarrollo nunca fue repentino, sino que se produjo mediante pasos lógicos y sucesivos.
A pesar de todos los cambios, una cosa ha permanecido constante: mi asombro ante el mundo material, ante sus propiedades químicas, físicas y formales. Esta fascinación me ha acompañado durante más de cinco décadas y sigue tan viva como siempre.
Cuando te acercas a una nueva escultura: ¿el proceso comienza en tu mente, en el papel o directamente con el material en tu mano?
Para mí, una nueva escultura no surge de una epifanía repentina ni de una inspiración clásica —un término que, sinceramente, nunca he llegado a comprender del todo—. Más bien, una nueva obra casi siempre evoluciona a partir de la anterior. Al trabajar en una escultura, se toman multitud de decisiones, algunas menores, otras cruciales, como si una forma tiene tres o cuatro patas.
Cuando una obra está terminada, queda una especie de recuerdo del proceso. Uno empieza a intuir: si hubiera decidido de otra manera en cierto punto, habría surgido algo completamente distinto, con una forma diferente, un significado diferente, una cualidad emocional diferente. Y este mismo pensamiento conduce a la siguiente escultura.
Uno quiere ver qué sucede cuando toma un camino diferente. Pero incluso entonces, se descubre algo nuevo e inesperado. Se llega a un lugar que no se podría haber previsto. Lo maravilloso es que aún hay mucho por descubrir en el mundo, y en el arte. Tengo la sensación de que todo está apenas comenzando.
